"Maravillosa Infancia" espectáculo de ciencia ficción (?) en el Teatro Abasto de Buenos Aires

Dice Germán Rodríguez, director del espectáculo reestrenado “Maravillosa Infancia” que se presenta en el Teatro del Abasto de Buenos Aires:

“"El ejército como figura paternal. Un padre que manda a sus hijos a la guerra en pos de un bien mayor. Un padre al que no se cuestiona, porque es el que nos da el sustento diario. Y esta sociedad necesita seguir avanzando y consumiendo, no hay tiempo para reflexionar sobre donde están parados. Así que ellas ejercen poder sobre el soldado. 

Soldado que ejerció poder sobre un enemigo más débil. Y el estado que apuesta a esta investigación. Un estado que echa mano a los científicos del Führer para conquistar el espacio. Y en la obra, toda esta cadena de justificaciones está atravesada por un trauma de la niñez. La carencia está presente en todo momento. No les enseñaron a quererse, ni a ellas mismas ni a sus hermanos.  Pero no todo es posible, nuestros actos tienen consecuencias. Estas hermanas que no pueden enfrentarse con su dolor, pretenden resolver algo profundo de un modo infantil. Y ellas matan para crear vida. Una vida sobreescrita sobre otra borrada. Como la historia del imperio."

Cierto es que no eligió una obra fácil para su debut como director. El libro de Gustavo Cornillon navega por las aguas turbias de la ciencia ficción al estilo 60’, intentando abrir caminos hacia temas densos con un humor seco: las consecuencias del progreso científico, los límites éticos de la experimentación, la guerra y sus víctimas invisibles.

Funciones:

Viernes, 21 horas, Teatro del Abasto, Humahuaca 3549, CABA.

Localidades: $ 60.-  Descuentos a jubilados y estudiantes   Reservas: 4865 0014

Ficha Artística

Actúan: Alejandra D'Agostino, Paula Castagnetti, Alejandro Schiappacasse

Adaptación Dramatúrgica: Alejandro Schiappacasse, Germán Rodríguez, Paula Castagnetti, Alejandra D'Agostino

Música original: Caio Kosiner

Diseño sonoro: Nicolás Gallo

Diseño de escenografía: Julieta Potenze

Realización escenográfica: Ariel Vaccaro

Vestuario: Inés López, Laura Etcheverry 

Diseño de luces: Sergio Cucchiara

Diseño gráfico: Nicolás Gallo, Paula Castagnetti

Asistente: Javier Piazza

Fotografía: Magdalena Giménez

Producción ejecutiva: Miguel Angel Ludueña

Producción general: Itai Doshin con colaboración del Teatro del Abasto

Asesoramiento artístico: Alejandro Schiappacasse

Prensa: Octavia Comunicación

GERMÁN RODRÍGUEZ es egresado de la carrera "Formación del Actor" de la Escuela Municipal de Arte Dramático. En 2010 y 2011, fue nominado al premio Florencio Sánchez y destacado en el premio Teatro del Mundo por su trabajo en las obras "Absentha" de Alejandro Acobino y "Rodeo" de Agustina Gatto. Por "Rodando" (co-autor junto a Alejandro Acobino), fue nominado al Trinidad Guevara como "Revelación masculina" y en 2009 fue destacado en los Premios Teatro del Mundo por su actuación en "Quienquiera que hubiera dormido en esta cama "de Martín Flores Cárdenas. Actualmente ensaya "A Electra le sienta bien el luto" de Eugene O`Neill con dirección de Robert Sturua en el Teatro San Martín. También actuó en espectáculos como "Incendios", con dirección de Sergio Renán en el Teatro Apolo,  "Las tres hermanas", de Anton Chejov, con dirección de Luciano Suardi, en la sala Regio del Complejo Teatral Buenos Aires; "Golpe de aire" de Marcelo Mininno en la sala Sarmiento del mismo Complejo, "Nada te turbe, nada te espante", de Diego Manso y con dirección de Pablo Rotemberg, "Hipocampo", de Hernán Morán y "El último fuego" de la autora alemana Dea Loher, con dirección de Ana Alvarado, entre otros. Desde 1999 forma parte del grupo "La Fronda" con el que realizó "Living, último paisaje", "A un beso de distancia", coproducida por el Teatro General San Martín y "Ars higiénica", dirigidas por Ciro Zorzoli; y "Flia" y "Absentha" (esta última en cartel, con dirección de Ana Sánchez). Participó en festivales nacionales e internacionales con "Rodando", "Ars higiénica", "Absentha" y "Mujer armada hombre dormido" de Martín Flores Cárdenas. En cine actuó en "La guerra del cerdo", dirigida por David María Putorti, en "El sueño del minotauro", ópera prima de Ana Piterbarg; ambas se estrenarán próximamente. También en "Sin retorno", dirigida por Miguel Cohan y en "La Señal", con dirección de Ricardo Darín. En televisión actuó en "El elegido" y "Somos Familia" por Telefé, "Ruta Misteriosa", Homenaje a Teatro Abierto 2013 y en la novela "Esa mujer", para canal 7. Condujo programas de ciencia y de literatura para canal Encuentro. También se desempeña como docente.

ALEJANDRA D'AGOSTINO es egresada de la carrera “Formación del Actor” de la Escuela Metropolitana de Arte Dramático y del Instituto Vocacional de Arte, M. J. de Labardén. Además tiene formación en clown, canto y trabajo corporal en danzas y acrobacia. Desde el año 2003 ha participado en más de 10 espectáculos teatrales, entre ellos "Flia." junto a la Compañía La Fronda; "La Bruta Espera" de Julio Chávez; "El Círculo de Tiza Caucasiano" de Bertolt Bretch seleccionada en el  V Festival Internacional de Teatro en Buenos Aires. En Cine participó del largometraje de Ana Piterbarg, "El Sueño del Minotauro" a estrenarse próximamente y en la coproducción "The Golden Door" de Emanuele Crialese. Actualmente está también en cartel con "El Mismo Cielo" de Alejandro Schiappacasse  en el teatro Anfitrión y se encuentra ensayando su próxima obra.

PAULA CASTAGNETTI se formó en actuación, con Graciela Camino, Cristina Banegas, Alejandro Catalán, Paula Herrera, Augusto Fernandez, Norma Angeleri; en danza con Eugenia Estevez, Susana Szperling, Gabriela Gobi; en canto con Valeria Pagola, Florencia García Casabal, Mariana Bresolin y en dramaturgia con Agustina Gatto. Actuó en "La loba" de Csejthe; "Papá querido"; "París en America"; "Intervenciones", "Mercado del Progreso"; En 2013 fue nominada como Mejor Actriz de Reparto en los premios Estrella de Mar por su trabajo junto a Enrique Pinti en "Lo que vió el Mayordomo". Formó parte del Festival Escena 2011 y 2012, con París en América y como Co-Directora de la intervención "El tiempo es2. En TV integró los elencos de las tiras juveniles Champs 12 y Sueña Conmigo, del unitario Tiempo de Pensar, del ciclo TV por la justicia – Santos y pecadores y de la miniserie Pasajeros.

ALEJANDRO SCHIAPPACASSE participa de la actividad artística desde hace 20 años. Como realizador teatral; actúa, dirige, escribe y coordina talleres. Se formó en actuación, dirección, dramaturgia, escenografía y artes multimediales. Algunos de sus maestros Mónica Cabrera, Rubén Szuchmacher, Patricia Gilmour, Estela Galazzi, Patricia Schatkis, Bernardo Cappa, Ana Alvarado, Mauricio Kartún, Alejandro Acobino, Gumercindo Serrano Gomez y Roberto Clerc, entre otros. Sus espectáculos teatrales han participado del II Festival del Rojas, el Festival Internacional Polo Circo, en el Ciclo Nueve de nuevos dramaturgos, el ciclo Genealogía del Objeto, en Proyecto Estudio Abierto y en el constante circuito de teatro independiente de Buenos Aires.

GUSTAVO CORNILLON es autor de la miniserie "Ruta Misteriosa" (2012) emitida por TV Pública, ganadora del concurso Ficciones Federales, de  "Luminaris" (2011, co-autor) ganador de 310 premios internacionales entre ellos Annecy 2011 y pre-seleccionado en la shortlist de 10 cortometrajes para los Oscars 2012, de "El Guante" (2002, co-autor) ganador del Cóndor de Plata 2003.

Jornadas de cooperación entre Argentina y Francia

No hace falta gastar los escasos dolores que tienen ocultos en sus guardarropas: está por comenzar una temporada francesa en Argentina. Ayer el Embajador de Francia Jean-Michel Casa y el Consejero de cooperación y de acción cultural Jean-Frangois Gueganno, hicieron el anuncio en el Club Francés de Buenos Aires.

Este año se festejan 50 años de un acuerdo de cooperación cultural, científico y técnico entre Francia y Argentina. Por eso la Embajada del país galo creo un “logotipo Francia-Argentina, 50 años de cooperación.” Se plasmará en octubre con una muestra producida por la Cancillería argentina dedicada a la historia de los lazos entre los dos países, y la Universidad Nacional Tres de Febrero (UNTREF) y la Embajada de Francia organizaran un coloquio Francia-Argentina, 50 años de cooperación.

Habrá casi 100 eventos, enlazando los esfuerzos de entidades públicas y privadas, teatros, museos, festivales, ferias y salones, editoriales, universidades y centros de investigación.

En el marco de la celebración, la Embajada de Francia y el Ministerio de Ciencia, Tecnología e Innovación Productiva (MINCyT) organizarán a principios de noviembre unas jornadas de cooperación científicas enfocadas en los logros destacados.

En junio habrá una gran cumbre académica entre los Rectores de las universidades francesas y argentinas, y por primera vez un consorcio de universidades francesas Universites Sorbonne-Paris Citeabrira una filial en Argentina.

En el ámbito de las artes plásticas, se lanzarán actividades en el marco de ArteBA, la 260 edición del Premio Braque en asociación con la UNTREF y el Palais de Tokyo. Se recibirá en Buenos Aires a los directivos de Maison Rouge, quienes vendrán acompañados de 25 coleccionistas franceses. Llegará asimimsasimismon muestra Le Parc Lumiere, presentada por el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) y se presentará por primera vez en la Argentina unos trabajos de la notoria artista francesa Sophie Calle en el marco del nuevo evento Bienal de Performance.

En la frontera de las artes plásticas y de la innovación científica Tecnopolis expondrá una muestra dedicada a los textiles innovadores: Futurotextiles.

Contacto:    http://issuu.com/tf2014/docs/2014_temporada_francia-argentina

Indiana Review announces poetry contest

Indiana Review has just opened up submissions for a poetry prize with Eileen Myles as this year’s judge. Myles is a Boston born U.S. poet and author  who has produced more than twenty volumes of poetry, fiction, nonfiction, libretti, plays and performance pieces, and has received a Guggenheim Fellowship to complete Afterglow (a memoir), a real as well as fantastic account of a dog’s life.

The poetry contest opened on February first and closes on April 1, 2014, awarding $1,000 for first prize and publication in the magazine. Poets should check the guidelines at http://indianareview.org/submit/.

Indiana Review, a biannual literary review now in its thirty-seventh year of publication, is a non-profit magazine dedicated to bringing out the talents of new or established writers. IR seeks high quality writing on a wide aesthetic spectrum.

Writers interested in participating in the magazine’s literary contests, or in its high level content, are welcome to contact the magazine.

Indiana Review

Ballantine Hall 529

1020 E. Kirkwood Ave.

Indiana University

Bloomington, IN 47405-7103

Phone: (812) 855-3439

Fax: (812) 855-9535

Email: inreview@indiana.edu

A chat with Barry Kornhauser: "People living with disabilities have so much to offer the arts."

       

Barry Kornhauser’s life and passion is the stage, yet it seemed appropriate to start the interview in a more mundane way, so after shaking hands I said bluntly: “Hello Barry! Nice office you have here…Well, just to get started: who is Barry Kornhauser?”

 

The answer came accompanied by a wholesome smile. “A guy who likes this joke from Camus’ THE MYTH OF SISYPHUS: “On connait l’histoire du fou qui pechait dans une baignoire; un medicin qui avait ses idees sur les traitements psychiatriques lui demandait: “Si ca mordait” et se vit repondre avec rigueur: “Mais son, imbecile, puisquec’est une baignoire.”

 

That’s a good one! But tell me this: what led you into the labyrinth of theater?

 

I did not come to it early, having had few positive theatrical experiences where I grew up in urban New Jersey. In fact, my school mates and I were such bad audiences when taken to a student matinee of a play that we were effectively banned from most East Coast theaters for years. It wasn’t until I was a junior in high school during the Vietnam War era and was taken to a production of Henry V at Stratford in Connecticut that was staged brilliantly as an anti-war piece that I realized the potential power of the art to transform lives and the excitement possible in its presentation. Interestingly, that play was directed by a young man named Michael Kahn who went on to become the Artistic Director of the Tony Award-winning Shakespeare Theater in Washington, DC. And some 30 years after my being so deeply touched by his Henry V, he chose to direct my adaptation of CYRANO DE BERGEAC at The Shakespeare Theater. The production went on to sweep the Helen Hayes Awards that year, winning both Best Play but also Best Director for Michael, so I felt in some small strange way I finally got to thank him for drawing me to theater.

 

What is theater for you and what tendency or school of acting do you prefer?

 

Oscar Wilde once wrote: “The stage is not merely the meeting place of all the arts, but is also the return of art to life.” I think that beautifully captures what theater means to me, a place where all of the arts come together to explore humanity, and because it is live and visceral, when well done it can touch our lives like no other art form. I am not an actor myself, but I do like another quote made years ago by an American politician. He wrote: “I am a man of fixed and unbending principles, and my first fixed and unbending principal is to remain flexible at all times.” I believe this applies to schools of acting as much as anything else. I would say you should use whatever works for you, being flexible enough to take avail of practices from different approaches for different times and circumstances. A little bit of this, a little bit of that—good ingredients for cooking up a tasty character.

 

Would you agree that theater training is not only a tool for preparing shows: it is also a valuable tool used uo open up creativity, to help disabled people deal with their specific problems, a means for bringing about social integration…

 

But don’t forget that people living with disabilities have so much to offer the arts. Because they are often compelled to live creative lives every day just to do what non-disabled people consider routine, folks with disabilities have a great deal to bring to the artistic table. By welcoming to that table, we enhance and enrich the art we present.

Could you describe your own work with young people of diverse backgrounds and nationalities?

More than 25 years ago I founded and still direct a youth theater program comprised of marginalized, disadvantaged, at-risk teens and those living with physical, sensory, and/or cognitive disabilities. They are referred to the program from juvenile probation offices, psychiatric hospitals, drug and alcohol centers, homeless shelters, refugee organizations, and school counselors. They create and perform original dramatic work based on social justice themes that have impacted their lives or that of their peers globally. The program has received numerous grants including from the National Endownment for the Arts and has been honored at the White House by the President’s Committee on the Arts & Humanities. Now working at Millersville University in Lancaster, Pennsylvania, we have begun to build more such arts programming—both performing and visual—for underserved people of all ages in our community.

So you work not only with words, but with the body, not only the body but with images which flow from different social, cultural and political contexts…

All great fodder for art. Why on earth would we want to limit our stage vocabulary to the spoken work—whatever the language? We know from Howard Gardner’s Multiple Intelligences notion, that we all learn differently, so why not present our work in multiple “languages”—not just text but through movement and image. Differing social, cultural and political contexts only compound the need to reach out artistically in many diverse ways.

Racism and discrimination of diverse sorts are latent points of tension in society, as A. Boal suggests. Do you believe that these and other social problems can be understood more profoundly by means of role play and eventually contact with an audience incorporated actively into the creative process?

Totally. I can think of no better way to examine such issues and to transform thinking about them than through some of the Theater of the Oppressed techniques developed by Boal, and certainly a good part of what makes that work such a potentially powerful driver of social change is the active involvement of the “audience” in the creative process. His use of the “spectactor” rather than just the “spectator” makes all the difference for is it not indeed true that we learn best by doing, not just watching or listening.

In Lancaster and in the U.S.A. today are there any exciting vanguard movements? Is theater and art perceived as a refuge to the finalcial crisis and the twitchings of the consumer society?

For a mid-sized city, Lancaster has a remarkably large arts community. There is a clear recognition that arts programming does indeed serve as a financial driver bringing more people to the area and improving everyone’s quality of life. It’s exciting to live in a place this size that gets it! And what is nice about its size is that there are 100 + arts venues all within walking distance and artists know each other and can and do work together creating some exciting projects such as an event called “36 Dramatic Situations” in which a dozen different artists and arts organizations collaborated to create an evening of five minute pieces each in their own art form around an exhibit of themed art work by a local visual artist, a three-year project. Lancaster City is the home of three performing arts centers as well as theaters, galleries, etc. and the Pennsylvania College of Art & Design as well as Franklin & Marshall College and Millersville University. The city just hosted its first national Roots & Blues Music Festival and more such events occur more and more regularly. It is also the home of the Poetry Path, an art installation project all over the city combining poetry and visual art works. That’s just the tip of the iceberg.

Are there any groups doing theatrical activities in other languages in Lancaster or in the country?

Certainly in the country. Just a peek at the pages of AMERICAN THEATRE Magazine will give one an idea of the breadth and depth of the multiculturalism in America’s theater community. Not so much in Lancaster as of yet. While the city itself is more than 38% Latino, there is not a dedicated Spanish language theater. The same is true for the newer immigrant groups from Asia and Africa who are just getting a footing in this community. That said, here at Millersville University we are presenting bi-lingual and Spanish-speaking artists for audiences of all ages. In fact, in a few weeks the 3^rd annual Latino Arts Festival will be held here and in mid- April a Mexican theater company will come to Lancaster. This is Sena y Verbo Teatro de Sordos, which is an inclusive ensemble compromised of both hearing and deaf actors. So not only will we be hearing some Spanish, we’ll also be seing some Mexican Sign Language.

Aside from your work at Millersville do you have any projects or plans for the near future?

Millersville is keeping me happily busy with many University arts programs that are quite exciting. Outside of that I’m currently working on two play commissions—one for the Children’s Theatre Company of Minneapolis, America’s flagship theater for young audiences program and a Tony Award-winning regional theater  itself. That play, BALLOONACY, is designed for early learners, preschool-aged children and it will premiere in late March. The other is for a theater in Pittsburgh. That is an adaptation of the award-winning Holocaust novel THE DEVIL’S ARITHMETIC. Before its premiere in May we will actually be doing a staged reading of excerpts from the script at Millersville University’s biennial National Holocaust & Genocide Conference in early April with university student actors. Beyond that I need to clean the gutters on my roof and paint a bathroom!

Contact: Barry.Kornhauser@Millersville.edu.  

Bio: BARRY KORNHAUSER recently joined the staff of Millersville University to spearhead the school’s newly formed family arts collaborative and to develop campus-community artistic initiatives.  Prior to this new endeavor, he served 30 years as the Playwright-In-Residence, TYA Director, and sundry other positions at the National Historic Landmark Fulton Theatre in Lancaster, Pennsylvania.  Barry is a recipient of the American Alliance for Theatre & Education (AATE) Charlotte Chorpenning Cup, honoring “a body of distinguished work by a nationally known writer of outstanding plays for children.”  Other accolades include the Twin Cities’ Ivey Award for Playwriting (Reeling), the Helen Hayes Outstanding Play Award (Cyrano), Bonderman Prize (Worlds Apart), and two AATE Distinguished Play Awards (This Is Not A Pipe Dream and Balloonacy), along with Pennsylvania’s “Best Practices Honor” (for his HIV/AIDS prevention T.I.E. project,  All It Takes…) and the state’s first Educational Theatre Award “for outstanding service by an individual for the advancement of theatre education in the Commonwealth.” He has also received fellowships/grants from the National Endowment for the Arts, TYA/USA, Doris Duke Foundation, MetLife Foundation, Mid-Atlantic Arts, Pennsylvania Council on the Arts, and Pennsylvania Performing Artists on Tour (PennPAT). His plays have been commissioned and produced by such Tony Award-winning theatres as the Alliance, Children’s Theatre Company, La Jolla Playhouse, and Shakespeare Theatre, and have been invited to such festivals as One Theatre World, NYC’s Provincetown Playhouse New Plays for Young Audiences, the international Quest Fest, San Diego Theatre of the World, the Bonderman, the Playground, and the Kennedy Center’s New Visions/New Voices. The Kennedy also commissioned him to author a piece (Of Mice And Manhattan) based on newly discovered children songs by Broadway legend Frank Loesser, and invited him to take part in and report on its 2012 “International Convening of Thought Leaders in Theater, Dance, Disability, Education, and Inclusion.”  Barry is one of three playwrights (along with David Ives and former U.S. Poet Laureate Robert Pinsky) to be commissioned by The Shakespeare Theatre to create new “American” adaptations of lesser-known classic dramas.  He has also served as a guest dramaturg at the Denver Theatre Center.  In 2008, Barry was selected as the United States nominee for the “ASSITEJ International Award for Artistic Excellence” and his Youtheatre program for at-risk teens and those living with disabilities was honored at the White House as one of the nation’s top arts-education initiatives.  For his work with this ensemble, Barry also received the AATE’s 2011 Youth Theatre Director of the Year Award. Over the years he has conducted theatre residencies everywhere from a one-room Amish school house to universities across the country, including several stints as the “Luminary Guest Artist” of the University of New Mexico’s Wrinkle Writing program endowed by A Wrinkle In Time author, Madeleine L’Engle.  (He was the only guest artist invited more than once).   A Phi Beta Kappa graduate of Franklin & Marshall College, Barry has served on the TYA/USA board, various panels of the NEA, the Heinz Endowment, and three state arts councils.  Currently, he is an AATE State Representative, a member of the Dramatists’ Guild, and sits on the board of the Lancaster Education Foundation.  His lovely wife Carol and great kids Ariel, Sam, and Max (with Turkish bride Sena) complete his real-life cast of “characters.” 

 

Loryn Spangler-Jones, artist: I needed to "learn how to make myself happy from the inside out."

Loryn Spangler-Jones of Lancaster, Pennsylvania lives in a rainbow of female colors. In a chat with Jaquematepress she explained: “I needed to fix me, learn how to make myself happy from the inside out.” That’s what painting is for her, a process that flows from the innermost reaches of the self.  Self taught, she came upon art, not as an inheritance, not as the result of academic study; rather it appeared when her creative intuition found a means of expression.

“I started experimenting with paint and color in 1997 as a means of self discovery and liberated self expression,” she points out in a statement on her art. “I quickly learned mixing mediums within my work added both complexity and depth to each individual piece.”

Much of her inspiration comes from her personal experiences as a woman, “deconstructing the societal bondage of oppression and silence.” That meant venturing into an “unknown territory within the corners of myself, shedding layers of fear and doubt and embracing my own vulnerability and sensuality…”

Your paintings reveal a profound concern for women..

I believe my work to represent the strength found in all women, regardless of race, religion or sexuality. My work exposes the vulnerability of our imperfections through the use of texture and mark making. And through my blending of color I am able to bring to light the inner beauty all women possess.

Why do you think men have until recently exercised dominance in the plastic arts?

I think men have exercised a dominance EVERYWHERE, the arts included. It would be easy to blame Religion for our patriarchal society but in all fairness I think women are just as much to blame. For far too long we have allowed ourselves to be doormats and not taken advantage of our own creative power. As a woman and a professional artist, I believe it is my responsibility to intentionally participate in the revolutionary, RELEVANT, change in gender equality.

Would you agree that the creative process—whether in painting, writing, dance or theatre—is necessarily a sort of adventure into the self, into the intimate experiences, fears, passions, tastes and thinking patterns of each creator?

One hundred per cent!!!

If someone were to ask you to define your art, what would your answer be?

Emotionally charged, challenging, relevant and always honest.

In your opinion what is the state of art today in the U.S.A. and more particularly in Lancaster?

That depends a lot on the location. For example, New York City, the city every artist wants to be able to say they have exhibited in: I feel it is highly competitive and unless you are willing to buy your way in or you know the right people your chances of representation are slim. Perhaps I am a bit biased because I am still trying to fight my way into N.Y.C. That being said, I feel incredibly fortunate to live in a city that is incredibly supportive of the arts. With over 30 galleries and First Friday receptions every month Lancaster continues to grow her art community.

Is there any predominant tendency?

I will let the viewers answer that question.

Do you feel that your art is taking a new direction? Does it take you there thanks to its own impulse or are you calling the cards?

I make it a habit to let my work lead me. I have learned the hard way. I just end up getting in the way of myself if I try to take over. I believe my work to be evolutionary and always autobiographical.

Do you practice any routine as a warm up for painting—yoga, zen, breathing technique, a special time and place—or do you paint only when the mood hits you?

In the beginning of my journey I would paint merely when I felt inspired. I no longer have that luxury. With more and more of a demand for my work, and scheduled exhibitions 12 months out, the creative process has now become a discipline. In the words of Picasso…”when inspiration shows up, it had better find you working.”

Have you published anything on your art?

This is the third year in a row I have been picked up by North Light Publishers, winning an international mixed media competition for publication in a hardcover coffee table art book. The book is scheduled to be released in September of this year with the public unveiling of my winning piece in October at Elmwood Gallery for the Arts in Buffalo, NY. The title of the book is “Incite VII: Color Passions” and will be available on Amazon.

Contacts:

Loryn Spangler-Jones, artist.

www.lsjmixedmedia.com
717.381.5032
Director, Annex 24 Gallery

24 W. Walnut St. Lancaster, Pa 17603

www.annex24gallery.com

"El gran teatro del mundo," de Pedro Calderón de la Barca con la dirección de Francisco Civit

Es innegable que el mundo es, ha sido y será un gran escenario teatral. Grandes escritores teatrales, por ejemplo William Shakespeare, han vuelto sobre el tema una y otra vez pero fue Pedro Calderón de la Barca quien dedicó una obra entera al asunto. Ahora el público porteño tiene la oportunidad de ver una versión fiel y audaz de “El gran teatro del mundo,” en los escenarios del Espacio Teatral ElKafka en Buenos Aires.

Publicada por Calderón en 1655, la obra es reconocida como una comedia “auto sacramental.” Expone la vida humana como si fuera un juego de representación teatral. En aquel momento la Iglesia Católica, manifestaba su absoluto dominio sobre la relación entre dios y el hombre. Y en la obra de Calderón el espectador observa la improvisación (fuertemente pautada) de una serie de personajes asignados roles arquetípicos otorgados casi al azar. Como sucede en cualquier elenco teatral, no todos los actores expresaban conformidad con sus papeles. Pero al final de la función se establece premios y castigos, como los de Dios, por el comportamiento de los “actores.”

Las situaciones lastiman o hacen reír y giran alrededor de temas que no han sido resuelto nunca por los seres humanos: el abuso del poder, la envidia, las desigualdades, la falta de compasión y de comprensión, la religión practicada con absolutismo, la vanidad ante la efímera belleza exterior…

Francisco Civit decidió respetar plenamente la dramaturgia de Calderón, un desafío a la imaginación tanto del actor como del público debido a las poderosas imágenes ocultas en el texto, sin mencionar las múltiples referencias filosóficas. El director tomó otra decisión: ubicar las acciones en una fiesta con los actores surgidos del pueblo. No obstante, hay algunas licencias—una mujer (el Mundo) en bata haciéndose una especie de toilette mientras entona el aria “Quiarespexit” del Magnificat de Bach. El personaje tradicionalmente es actuado por un hombre. Mundo es el encargado de hacer la puesta, llamar a los actores…

            Si bien la puesta, la actuación, la dirección, el escenario y el concepto de Civit juegan conjuntamente para configurar un espectáculo de gran interés, pensamos que el logro de Calderón ha sido entender el teatro como juego, un deleite que no conoce límites.

           

Funciones: viernes 20:30 horas, ElKafka, espacio teatral, Lambaré 866, CABA. Reservas: 4862-5439. Entradas: $80. Estudiantes y jubilados: $50.

Elenco:

Karina Antonelli, Pablo Aparicio, Gabriela Calzada, Natalia Olabe, Irina Rausch, Miguel Rausch, Sebastian Saslavsky,Gabriel Yeannoteguy, Maria Zambelli, Alejandro Zingman

Dirección: Francisco Civit

Francisco Civit es director, actor y docente de teatro. Como actor y director participó en  espectáculos que le permitieron presentarse en grandes teatros y festivales en América y Europa; algunos de ellos fueron The Globe Theater en UK y El Corral de Comedias en  España, entre otros. La última pieza que dirigió fue El castigo sin venganza de Lope de Vega, con la que fue invitado al Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro. También puso en escenaParia de August Strindberg, EL bello indiferente de Jean Cocteauy,  El nombre de Griselda Gambaro.  Algunas de las obras que participó como actor fueron Muerte de un viajante de Arthur Miller, en el Paseo La Plaza; Enrique IV de Pirandello en el TGSM, Comunidad de Carolina Adamovsky, en Espacio Callejón, Enrique IV segunda parte de William Shakespeare, en The Globe Theater y TGSM, y Bravo de Horacio Banega, en Elkafka, entre otras.

"Fuera," el regreso del juego cómico de Leticia Vetrano

La esencia del arte teatral es el juego, a pesar de todas las transformaciones técnicas y estilísticas que han brotado durante su evolución. Es lo que entiende Leticia Vetrano y es lo que hace reía a sus espectadores. Ella juega en el escenario como una niña grande, hace disparates, vive siempre en el presente, tiene vergüenza, hace piruetas torpes como los niños (ejecutadas con admirable perfección); ella es transparente hasta en el mínimo detalle, juega a ser un personaje—María Peligro—y no importa mucho el nombre que público y críticos tratan de imponer a su modo de actuar. Para ella actuar es jugar.

“Fuera” acaba de subir al escenario del Teatro Beckett en Buenos Aires, pero hace dos años que Leticia juega con su personaje, más si uno cuenta también las presentaciones que ha hecho en las calles de Europa mientras la idea iba apareciendo en su cabeza y su cuerpo. Se trata de una chica pequeña-grande en un momento clave de su vida. (¡Ay! ¿Quién no tiene momentos así?). A cortar con lo escrito en el guión de su destino. Uno se levanta un día y dice: “¡Basta! ¡Fuera!” ¿Está bien? ¿Está mal? Vaya uno a saberlo.

Llega el momento y uno empieza a cortar, a desatarse de los lazos de familia, de educación, de trabajo. En ese momento uno exige definiciones. Yo soy así, me defino de esta manera, no sé lo que pueden pensar los demás, quiero vivir de mi manera. Sucede el día del cumpleaños de María Peligro y el resultado es un juego cómico, placentero y a la vez profundo.

Los padres, muertos-vivos colgados mediante hilos sobre el fondo del escenario observan opresivamente mientras su creatura festeja su cumpleaños. De un cajón grande saca un hombre, un muñeco. Coloca un pañuelo sobre los cuadros de sus padres mientras baila con el hombre, lo abraza, lo besa y expresa otros tipos de deseos que uno no puede expresar frente a los viejos… Pero muere el hombre-muñeco, va para buscar conmiseración entre los espectadores, se acuesta en el regazo de uno y lo invita al escenario a bailar…

El juego de Leticia no reconoce los límites artificialmente impuestos entre público y actor, el cuarto pared, todos están para jugar pero ella es quien propone los juegos. Y los espectadores salen riendo a los desatinos en sus propias vidas.

Ficha artística-técnica

De y con: Leticia Vetrano

Supervisión artística: Micheline Vanderpoel
Coaching: Kevin Brooking

Vestuario: Natalia Fandiño
Diseño de iluminación: Thyl Benies

Escenografía: Cía. Proyecto María Peligro  y Micheline Vanderpoel

Prensa: Marisol Cambre

Producción: Cía.  Proyecto María Peligro y Paloma Lipovetzky

Co-producción con EspaceCatastrophe (Bélgica) y con el apoyo del Ministerio de la Comunidad Wallona Bruselas/ Servicio de Artes Circense y Artes de la Calle

Funciones

Jueves 20 de febrero a las 22 Hs.
Teatro Beckett | Guardia Vieja 3556 (Abasto)
Localidades $80 | Estudiantes y jubilados $60

Reservas: www.alternativateatral.com.ar  o al 4867.5185

En Facebook: María Peligro Project

Trailer: www.youtube.com/watch?v=uvMT_mdqr-k

 

Sobre Leticia Vetrano

Detrás de María Peligro encontramos a la argentina  Leticia Vetrano quien, desde pequeña, pasa gran parte de su tiempo entre la gimnasia artística y la danza clásica. En  1994 descubre el mundo del circo y recorre distintas escuelas de Buenos Aires  donde se especializa en acrobacia y contorsiones. En el año 2000 se incorpora al elenco del Cirque XXI como acróbata. En el 2001 aterriza en la "Escuela de Circo Carampa" (Madrid), y se forma en acrobacia, danza y clown.  Recorre España, Italia, Suiza y Holanda trabajando en distintos espectáculos callejeros. En 2004 llega al "Espace Catastrophe" (Bruselas), donde nace María Peligro. En 2007 crea su primer unipersonal de sala FUERA!

 Leticia Vetrano cuenta con formación integral para profesionales en L’Espace Catastrophe (Bruselas). Realiza teatro gestual con Philippe Gaulier (Francia), Micheline Vandepoel (Bélgica), Vincent Lecler (Bélgica), Norman Taylor (Inglaterra) y  Marcelo Savignone (Argentina). Realizó cursos intensivos y seminarios de clown con Micheline Vandepoel (Bélgica), Kevin Brooking (USA), Jean Mening (Francia), Cedric Paga (Francia), Lila Monti, Mariana Barbera y Erica Ynoub (Argentina), Tom Roos (Bélgica), Gabriel Chamé (Argentina).

 Se presentó, entre otros, en  el Théâtre des Doms (Avignon), Festival de circo "Piste de Lancement" (Bruselas), Teatro Royal de la Monnaie (Bruselas), Festival de Circo "Beaumarchais", Theatre du Rond-Point (Paris), Festival Internacional de Pallasses d´Andorra (Andorra), "Clownin, International Clown Festival" (Viena), Festival Internacional de Teatro "El Cervantino" (México), Festival de Payasos de Cornellá (Cornellá), Feria de Artistas Callejeros "UMORE AZOKA" (Leio), Feria del Teatro (San Sebastián), Festival Internacional de Teatro "Tutti matti per Colorno" (Parma), Festival de circo-teatro "Cirk-Fantastik" (Florencia), Festival de circo-teatro "Frutos" (Teruel).