"Allende, la muerte de un presidente" unipersonal de Rodolfo Quebleen con actuación de Jorge Booth

11 de septiembre, 1973. Salvador Allende, el presidente de Chile, está en el Palacio de la Moneda atendiendo el teléfono, soñando con la revolución, hablando por última vez al pueblo mediante radio Magallanes, maldiciendo la traición que la está sofocando y haciendo frente a una realidad cruda e implacable: el golpe del General Augusto Pinochet. Salvador Allende en realidad es el actor Jorge Booth, es el 29 de agosto, 2014, el escenario es el Centro Cultural Raíces en Buenos Aires, Argentina, y el espectáculo “Allende, la muerte de un presidente” es un monólogo teatral del dramaturgo argentino Rodolfo Quebleen.

Estrenado el 14 de septiembre de 2013 en el teatro La Máscara de Buenos Aires y representado en varios países del continente latinoamericano, incluyendo Chile y Venezuela, se podrá ver el espectáculo los jueves a las 21 horas en La Máscara, Piedras 736.

Con la dirección habilidosa de Norberto Gonzalo, Allende vuelve a la vida y el espectador no puede dejar de ubicarse en la piel del protagonista. Pero no es un homenaje, tampoco un show político; muestra el personaje con sus pasiones, sus recuerdos familiares; monologa y evoca sus amores, su esposa, su compañera secretaria, la soledad, sus debilidades e inseguridades, su bronca contra la traición, contra la CIA, su frustración ante el derrumbe de su sueño de liderar una revolución socialista sin recurrir a las armas, sus convicciones—intactas hasta el final.

El final justamente sigue siendo tema de debate. Según la versión difundida por el golpe anti-comunista, se mató. La misma versión ha sido respaldada por la Corte Suprema chilena y la prensa en inmensa mayoría.  En el escenario  Allende deja el escenario con el arma que le regaló Fidel Castro. Se escucha varios disparos. Surgiere más bien un asesinato, ya que varias veces durante la obra él declara claramente y públicamente que no va a rendirse. Al contrario, parece prepararse para una muerte digna luchando hasta el final contra sus adversarios.

“Allende, la muerte de un presidente” es un unipersonal pero en realidad hay algo que transciende, algo colectivo en el espectáculo debido al enorme interés que rodea la figura de Salvador Allende. Y Jorge Booth ha hecho un notable trabajo de dar nueva vida al personaje mediante gestos muy precisos, estados anímicos bien estudiados y un manejo escénico virtuoso.

"Es una responsabilidad muy grande  encarnar un personaje así," manifestó el actor a Jaquematepress. "Es pesado al principio, uno siempre se pregunta si estará a la altura de las circunstancias. Aparecen muchas dudas...incertidumbre, máxime cuando se trata de un unipersonal y estás allí arriba absolutamente solo...
--Pero después...
"Con el trabajo todo eso desaparece y el placer comienza a llegar. Hasta ahora por las críticas y por la emoción que se ve en el público supongo que estamos haciendo las cosas bien. Realmente lo hago con muchísimo amor, dedicación y respeto.
--Imagino con muchas investigaciones...
Leí libros y ví documentos sobre Allende. Hasta estuve en Chile antes de estrenar la obra: recorrí el Museo de la Memoria y el Museo Histórico donde están sus anteojos partidos por la mitad...me entrevisté con su nieta, Maya Fernández Allende (hija de Beatriz) y actual Diputada. Estuve empapándome del clima de Santiago. Pasé por la fundación Salvador Allende donde me entregaron una carta en apoyo al proyecto y fui al Cementerio a visitar la tumba de Allende. Estuve en Isla Negra...en fin, pude impregnarme de ese clima tan especial del Chile de los 70.

El espectáculo a sido auspiciada y declarada de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación. En enero de 2014 hubo cuatro funciones en Santiago de Chile, con invitación del Museo de la Memoria y Derechos Humanos; en mayo del mismo año el espectáculo estuvo en Maracaibo, Venezuela, invitado al Festival Internacional de Monólogos Teatrales y luego también en La Casa del Artista en Caracas, con el apoyo de la Embajada Argentina.

La próximas funciones: 27 de Septiembre en Rosario, Santa Fé, Teatro de Empleados de Comercio; 9 de Noviembre en Ushuaia, Tierra del Fuego, Teatro Municipal Nini Marshall, por invitación de la Secretaria de Cultura.

         Más información en http//centroculturalraices.blogspot.com.ar

Ficha técnico artística

Autor:                   Rodolfo Quebleen
Director:               Norberto Gonzalo
Actor:                    Jorge Booth

Vestuario:  Carlos Bustamante, Lucía Trebisacce Escenografía: Carlos Bustamante,  Diseño de luces: Alejandra Dziewguc, Norberto Gonzalo Sonido:  Roberto Caute Fotografía: Ramiro Gomez Diseño gráfico: Ramiro Gomez Asistencia de dirección: Roberto Caute Puesta en escena: Norberto Gonzalo. 

VI festival de poesía en la escuela

       Escuchar poesía, escribir versos, explorar la capacidad expresiva...arranca el VI Festival de poesía en la escuela, una fantástic oportunidad de aprendizaje comienza para alrededor de 2000 alumnos argentinos de nivel primario, secondario y de educación especial y artística, recitales, talleres, juegos teatrales en Tigre, en Córdoba y con cierre en Tecnópolis, homenaje a Juan Gelman incluido. 

                                    La programación: http://poesiaenlaescuela.blogspot.com 

Festival Universitario de Cultura y Arte en la Universidad Nacional de Tres de Febrero en Octubre

Música, cine, video, teatro, circo, artes visuales, literatura, artes electrónicas, danza y mucho más se ha programado para la 11va edición del Festival Universitario de Cultura y Arte de la Universidad Nacional de Tres de Febrero a realizarse los días 11,12 y 13 de Octubre de este año en Valentín Gómez 4752, Caseros, provincia de Buenos Aires entre las 15 y las 22 horas, con entrada libre y gratuita.

         Se trata de un espacio de encuentro e integración en el cual el arte y la cultura funcionan como lazo entre la comunidad universitaria y los artistas de la región, y un ejemplo más de los servicios brindados por las universidades nacionales a la comunidad. Más información sobre el evento: Jesica Zampieri: 15 3764 1655.
Email:  info@enlacesuntref.com.ar

"A puerta cerrada," de Jean-Paul Sartre en una puesta notable en El Laberinto del Cíclope en Buenos Aires

            

Sábanas blancas cubren los personajes en un escenario que respira a muerte y pesadumbre. Un mozo largo de piernas y brazos quita la sábana a Garcin y saca el polvo acumulado mientras muestra sus dotes diabólicas. Después sucede el siguiente diálogo:

Garcin:            Es aquí, ¿No?

Mozo:              Sí, aquí es.

Garcin:            ¿Una habitación así?

Mozo:              Sí, una habitación así.

Pero no es cualquier habitación, si bien el estilo es sugestivo del estilo del segundo imperio francés. Es donde tres personajes fallecidos van a ser encerrados y castigados durante la eternidad; donde el “otro” será en realidad el infierno más terrorífico. Conscientes de sus pecados, los tres esperaban seguramente ser castigados por los instrumentos de tortura del infierno que impregan la imaginación popular. No parece tanto así y por lo tanto los tres muertos se dedican a justificar sus acciones pero en un momento Inés les pide a los demás que paren de mentirse a si mismos.  

Es que ella experimenta una toma de conciencia: se da cuenta que los tres han sido encerrados juntos para atormentarse los unos a los otros. Las discusiones van y vienen, acumulando a veces vuelos de gran emoción. Pero finalmente deciden confesar sus crímenes. Garcin engañó y maltrató a su esposa; Inés sedujo a la esposa de su primo mientras vivía con ellos; Estelle tuvo una aventura y luego mató al hijo que resultó de la relación.

Las revelaciones no aportan tranquilidad: todo el contrario, las relaciones entre los tres se complican y se ahondan. Garcin se rinde a los intentos de Estelle para seducirle y eso enloquece de celos y bronca a Inés; Garcin quiere que Estelle le diga que él no es un cobarde por intentar escapar de la guerra; para Inés Estelle le hace caso sólo para estar con un hombre…y Garcin hace un fallido intento de fuga. No puede irse, necesita que Inés tenga fe en él pero como ella piensa que es cobarde…y una enfurecida Estelle trata de matar a Inés pero no puede y perpleja Inés se apuñala a si misma…son ellos mismos la tortura, no los instrumentos de tortura del infierno.
 ¿Cómo termina la histora? Termina en una especie de resignación a carcajada, ya que van a tener que estar juntos durante toda la eternidad.   

La puesta elegida es muy útil y el estilo de actuación, si bien decisión propia de la directora, le da una ironía fina y bien lograda al espectáculo a través de gestos y movimientos muy precisos y no convencionales.   

“A puerta cerrada,” de Jean-Paul Sartre, dirección y puesta en escena de Adrián Tórtora.

Elenco:   Estelle – Flor Inchauspe Garcin – Silvio Parapugna Inés – Vanesa Calaresu El Camarero – Rodrigo Serra

Diseño de vestuario:             Mariana Arzola

Diseño de escenografía:       Magali Acha

Música original:                    Matías Villarruel

Asistencia general:               Marilyn Petito

Puesta en escena:                  Adrián Tórtora

Co-Dirección:                        Marilyn Petito

Dirección:                              Adrián Tórtora

Funciones: Domingos 20:30 Hs.

El Laberinto Del Cíclope Espacio Cultural: México 1718 - C.A.B.A.

Reservas: Tel.: 4381-8223

E-mails: ellaberintodelciclope@gmail.com / apuertsacerradas@outlook.com

Entrada: $70—Estudiantes y jubilados $50.

"Las 50 Nereidas" de Norman Briski en el teatro Caliban de Buenos Aires

Hay algo denso y a la vez profundamente poético en el espectáculo “50 Nereidas,” como un intento de comunicar esencias con frases que no respetan las convenciones del lenguaje, llenar un espacio teatral con una energía dispersa que incluso desafía la comprensión del espectador. La obra parte de la mitología griega sobre las ninfas que simbolizaban todo aquello que hay de hermoso y amable en el mar; es apenas el arranque, un empuje suave para poner en acción la creación y la recreación, un proceso que se produce en un mundo actual lleno de  desequilibrios y desafíos.  

Eliana Wasserman entra en el escenario como errante sin tiempo y sin lugar, guantes de cuero abrigando sus pies; el techo de cristal ilumina lo que podría ser el mar, dándole un aspecto etéreo a la actriz y a sus espaldas un cuadro de edificios urbanos de Buenos Aires.

No hay 50 Nereidas, tampoco las dos de una versión anterior del autor;  solamente la actriz Eliana Wasserman, dialogando, como homeless, como Nereida exiliada fuera del mar, delirando con exquisitez, intentando adaptarse a la nueva realidad, las palabras saliendo de su boca como la esfuma del mar, burlándose de la muerte, merodeándose sobre una claraboya que podría ser una pecera, el mundo o una tumba. 

Para el espectador entender el “relato” es menos importante que abrir la mente y la conciencia a un oleaje, como cuando uno se deja llevar por una ola grande, cuando algo incierto, bello y extraño le quita la comodidad; pues “50 Nereidas” es teatro y poesía y corriente de pensamiento unido en un personaje que lucha en un mundo extraño, hostil e intrigante.  Las 50 hijas de Nereo y Doris de la mitología griega ya no son nada, un recuerdo tal vez.

Sobreviven dos y Wasserman recrea en una especie de discurso poético-imaginario el diálogo entre las dos, entre aquella que se niega a perderse en la historia de la imaginería humana y la que contradice esa intención. La puesta en escena acompaña bien el trabajo de la actriz; el final destaca la esencia de la historia: “Aquí está mi cuerpo sin sustancia, sin historia, soy sólo un relato en la belleza de la orfandad. De la locura de hacerles la guerra a todos los que antes de nacer ya nos meten la enciclopedia. Devenir de la suerte de ser páginas libidinosas que escapan de sus tapas de biología libertaria.”

Ficha técnico artística:

Autoría:

Norman Briski Actúan: Eliana Wassermann Vestuario: María Claudia Curetti

Diseño de escenografía: Norman Briski Diseño de luces: Norman Briski Diseño sonoro: Victor Monte Realización de escenografia: Guillermo Bechthold Operación de luces:  Operación de sonido:  Artista plástico: Ignacio Liang Fotografía: Emmanuel Melgarejo Arte: Norman Briski Diseño gráfico: Gustavo Wald Asistencia de dirección: Ximena Di Giorgio Prensa: Carolina Alfonso

Dirección: Juan Washington Felice Astorga Duración: 50 minutos

CALIBAN
Mexico 1428 PB 5 (mapa)
Capital Federal - Buenos Aires - Argentina
Reservas: 4381-0521
Web: http://www.teatrocaliban.blogspot.com
Entrada: $ 80,00 / $ 60,00 - Viernes - 22:00 hs 

"The Merchant of Venice" at the British Arts Centre in Buenos Aires

”The Merchant of Venice” is by anyone’s measure a timely play, even though William Shakespeare wrote it when capitalism was in its infancy. The Peripatetic English Speaking Theatre  (PEST) has announced the staging of the play at British Arts Centre, Suipacha 1333 on September 13, 19, 20, 26 and 27 and on October third at 9p.m.

             In announcing the staging of the play about money lending, PEST explains that Shakespeare’s drama “offers the wisdom we need, a wisdom that goes deeper than the doctrine of any economic school and poses some questions that have a contemporary ring: How are the different ways of acquiring money related? Are they as unlike as they seem?”

             For tickets and information: 43936941 Email: asistentebac@aaci.org.ar / pestgroup@hotmail.com  Tickets: $60. 

Lobbies, Vultures and Democracy

Theoretically anyone can lobby, but if you don´t have millions of dollars you probably won’t convince anyone. Does lobbying have a negative effect on the workings of democracy? Their influence has been growing dramatically, especially in the United States—where they are legal and play a key role in elections and policy making.

What about the activities of hedge funds and the so-called “vultures” and diverse forms of financial speculation? Although they appear to be financial operations providing astonishing profitability, they also function as political pressure groups because politics and money is like a quarreling couple.

Paul Singer’s Elliott Management, founded in 1977, pulled in $3 billion in 2013 from investors, according to Forbes magazine. One of his operations has to do with the Argentine debt. It is not just a question of how much interest you receive: the business of the “vultures” is to keep an eye on bonds or other financial documents that are on the verge of default, buy them at the cheapest rates possible then rake in extraordinary profits when the courts provide favorable decisions.

But that is not all, because there is also pressure politics.  Elliott’s has a task force in Argentina with ample money at its disposal to pressure political and economic groups, the mass media and others.

It takes an enormous amount of money to bring about a change in policies—the lobbyists not only meet politicians but also bear strong influence on the mass media. The most well known lobbies are related to finance, the manufacture of weapons and medicine but practically  every economic activity has lobbies to pressure in its favor.

Singer has clearly favored conservative politics in the U.S.—supporting the presidential candidacy of Mitt Romney and rightwing Republican senator Marco Rubio and would certainly be pleased if the present populist government in Argentine should lose to a presidency more favorable to free market economics. 

Since lobbying is legal, progressive causes also have their lobbyists. But success is clearly related to the amount of money available. Although theoretically workers and unemployed people can get together and form a lobby, they cannot compete with the millions of dollars available to the rich.

Where does all of this leave the concept of democracy? 

"Flores de papel," del dramaturgo chileno Egon Wolff en el teatro Calibán de Buenos Aires

       

Cuando “El Merlusa” aparece en la puerta de Eva para entregarle sus compras, dos mundos se enfrentan alegóricamente: el mundo burgués cerrado y egoísta de la mujer entra en un derrumbe paulatino ante la actitud suplicante, exigente y amenazante del “invasor. El espectáculo “Flores de Papel” del dramaturgo chileno Egon Wolff, con la dirección sagaz de María Pia Molina Brescia y la actuación avezada de Susana Vaio y Emmanuel Melgarejo es una alegoría escenificada de múltiples lecturas.

            Ella le dice gracias por haber llevado las bolsas, pero el hombre no acepta el dinero. Quiere una taza de té. Todavía en el umbral de la puerta ella lo manda a la esquina a tomar el té. Pero no. Quiere tomar el té con ella. Tras varios momentos de indecisión, ella lo permite pasar. Como no hay té, le ofrece una sopa tibia. Merlusa se justifica diciendo que afuera andan unos tipos que lo van a matar.

        Eva le dice que tiene que salir pero el hombre no quiere marcharse. Entonces, mostrándose insegura y ambivalente, ella lo deja encerrado en el departamento. El hombre se dedica a hacer flores con pedazos de diario. Eva vuelve con una botella de vino y fiambre: parece que su miedo se oculta tras su inocultable curiosidad. De aquí en más la relación entre los dos se convierte en un juego provocativo que muestra la imposibilidad del entendimiento entre el concepto que los dos tienen sobre la existencia, ella desde sus valores burgueses y el hombre desde su profundo desdén sobre el mundo de la mujer.

          El hombre se queda en el departamento de la mujer pero a propósito Wolff no aclara exactamente qué sucede entre los dos. Tienen los tic de una pareja de años, pero es ella que parece imaginar una relación íntima; el hombre la rechaza de todas las formas posibles, aunque sin violencia física. La escena culminante es a la vez bella y desconcertante. Ella sale vestida de novia, pero en una especie de trance en medio del desorden total de su departamento; Merlusa introduce hojas en diario en los recovecos de su vestido blanco.  

          No es una obra política, tampoco sociológica. En realidad son dos personajes reprimidos y oprimidos que no encuentran salida, aunque la destrucción de Eva es mucho más evidente. No hay repuestas. No está claro por qué Merlusa ejerce tanto poder sobre ella. Pero es ella que sufre más claramente; lo que sucede en el interior de Merlusa es un incógnito.

     

         “Flores de Papel,” domingos a las 20:30 horas en el teatro Calibán, México 1428, PB 5, CABA. Entrada $60. Reservas: 4381-0521/ 4384-8163. Entrada: $60.

Web: http://www.teatrocaliban.blogspot.com

          Dirección: María Pia Molina Brescia

          Actores:  Susana Vaio y Emmanual Melgarejo

Ficha técnico artística:

Vestuario: Analía Segheza  Diseño de luces: Javier Rincón  Realización escenográfica: Sergio Barattucci  Operación de luces: Guido Veneroni  Operación de sonido: Guido Veneroni  Diseño gráfico: Verónica Rincón  Asistencia de dirección: Alejandra Bracco

Butoh: "Es poner la cabeza en el mismo nivel que el cuerpo," dice Quio Binetti, de la danza de origen japonesa

Quio Binetti reposa brevemente luego de conducir un entrenamiento, predispuesto a conversar sobre su pasión por la danza Butoh, creada por el japonés Tatsumi Hijikata, que lo entendió no solamente como performance, sino como una crítica precisa de la conciencia del cuerpo y del pensamiento en la historia del espíritu humano. Nos acercamos a Quio para saber cómo es danzar Butoh.

--Es interesante porque abarca además del cuerpo la respiración, la emoción, la imaginación y una profunda recuperación de aspectos que tal vez uno no se haya prestado tanta atención. Mucha gente va una vez por semana al gimnasio para entrenar el cuerpo, algo normal, pero con Butoh uno va dos o tres horas con gran concentración imaginando cosas, sintiendo cosas, percibiendo cosas. Es a la vez algo espiritual y sanador.

--¿Es una danza, teatro, una práctica espiritual…?

Es difícil explicar. Es más fácil vivir la experiencia. Hay mucha literatura que hace la descripción de Butoh pero lo interesante es lo que a uno le pasa cuando hace un entrenamiento.

--¿Sería pensar y sentir con el cuerpo?

Claro. Es poner la cabeza en el mismo nivel que el cuerpo. La imaginación, los pulmones, el pensamiento, la emoción…todo en equilibrio, todo con la misma importancia.

--¿Es un entrenamiento para personas de cualquier edad o experiencia o una práctica restringida a bailarines o personas entrenadas en las artes expresivas?

--El Butoh puede bailar cualquiera y a mí me gusta mucho este aspecto de Butoh. Por ejemplo a mí me ha pasado, sobre todo con bailarines profesionales, que cuando más grande son más linda es su danza. En ese sentido es el contrario del ballet o la danza contemporánea que favorecen a la juventud y la belleza. En el Butoh pesa fuerte la experiencia de vida. Evidentemente una persona de 20 años no tiene la acumulación de experiencia de una persona de 80. Esa acumulación de vida en el Butoh es valorada.

--¿Entonces los grupos que practican el Butoh son muy variados?

--Sí, pueden ser personas jóvenes o bien ingenieros de 70 años que quieren iniciar su experiencia física y espiritual, son grupos muy mesclados.

--Pero es un entrenamiento…

--Sí, siempre hay una pata en el entrenamiento físico porque el instrumento o el canal de expresión es el cuerpo. Entonces cuando uno está entrenado, despierto, con energía va a haber más posibilidades de expresarse, pues una persona que no hace nada, que no tiene energía, no tiene la capacidad de expresarse que tiene una persona entrenada en Butoh.

--Los bailarines de Butoh parecen proyectar imágenes muy fuertes hacia adentro y hacia afuera…

Es cierto y para mi es lo más difícil tener una conexión tan fuerte hacia adentro como hacia afuera. Cuando uno baila frente a un público da la impresión de estar muy inmerso en lo que le pasa pero también eso hay que traerlo al momento actual, hacia la gente que está mirando. Puede suceder que una bailarina está tan metida en su interior que no llega a transcender al otro. Lo que me encanta del Butoh es esa posibilidad de estar muy conectada a uno mismo y al mismo tiempo con el otro, el espectador.

--¿En los espectáculo hay una sola bailarina o bailarín o varios?

--Es un poco más fácil bailar solo porque uno maneja su propio tiempo, no hay nadie esperando un pie como dicen en teatro. Pero por supuesto también hay grupos, como bailarinas japonesas que bailan como en un coro…

--¿La palabra, el canto…?

--No se usa mucho. La palabra dice muchas cosas pero no deja mucho espacio para la sutileza de Butoh. La palabra baja una idea tan directa que impone una dificultad.

--¿Tus próximos proyectos?

--Ahora en septiembre estreno una obra en el espacio Pata de Ganso, que se llama “Las hermanas amantes,” un dúo y como productora estoy organizando un evento internacional en el Centro Cultural Borges.  

-- Sitio/website: http://quiobinetti.blogspot.com.ar/p/butoh.html

E-mail:

fquio@yahoo.com

"El corazón incauto," de Patricia Suárez y Sandra Franzen en la sala Hasta Trilce

Al tocar la puerta de Hasta Trilce en la calle Maza 177 en el barrio Almagro, el curioso convidado se sorprende ya que el ambiente huele a madera templada y el bar asoma como una reconstrucción rústica de un lugar en el campo. Pero la sorpresa es mayor cuando el invitado de prensa entra en la amplia sala para ver el estreno del espectáculo “El corazón del incauto,” de Patricia Suárez y Sandra Franzen, con la memorable actuación del trío Mariano Mazzei, Georgina Rey y Martín Urbaneja.

En el escenario tres muebles bien blancos emergen sobre un piso de alfalfa, una mujer de campo se dedica a efectuar sus deberes, reza ante una especie de altar casero; es una finca en la provincia argentina de Santa Fé y los protagonistas son un matrimonio de inmigrantes italianos y un humilde peón contratado para la cosecha. Pero en el ambiente hay algo que trae a la memoria el mundo del español García Lorca.

La rutina letárgica típica del siglo pasado se rompe cuando los espectadores ven el marido sacar de un baúl una peluca de mujer y disfrazarse paseándose como una joven doncella. ¿Qué puede pasar? La mujer tiene problemas para concebir un hijo. Pero el marido: ¿Qué pasa? El cándido peón se enamora perdidamente de “ella,” sin saber que es el marido del matrimonio. Aquí la historia toma un sendero de melodrama campero con coyunturas trágicas como en las tragedias rurales rioplatenses.

Sin embargo plantea algo bien actual en cuanto a la confusión de roles, el lugar de la pasión en la vida, las contradicciones del hombre y su desenlace trágico. La acciones ocurren episódicamente y los diálogos son cortantes y de un “realismo” rústico, como los códigos empleados en el campo. La actuación superlativa introduce un lenguaje que lleva el argumento a un plano cautivador, ya que cada actor hace de su personaje una creación fresa y creíble. Hay que ver Mariano Mazzei disfrazándose de mujer, los ojos enamorados de Martín Urbajena, el cuerpo reprimido de Georgina Rey…

 “El corazón incauto,” martes a las 20:30 horas en Hastas Trilce, Maza 177, CABA. Entradas: $100, estudiantes y jubilados $60. Informes: 4862-1758.  Mail: htrilce@gmail.com

FICHA ARTÍSTICO TÉCNICA:

Autoría: Patricia Suárez y Sandra Franzen

Actores: Mariano Mazzei, Georgina Rey y Martín Urbaneja.

Diseño de Escenografía e Iluminación: Magali Acha

Diseño de Vestuario: Marina Apollonio. 

Fotografías: Fuentes2Fernández

Maquillaje en fotos: Victoria Demasi

Diseño Gráfico: Lucila Gejtman

Prensa: Simkin & Franco

Asistente de Dirección: Moisés Delgado 

Asistente de Escenografía: Sol Soto 

Asistente de Producción: Estanislao Otero Valdez 

Stage manager: Victoria Rodríguez Cuberes

Producción Ejecutiva: Roni Isola

Producción Artística: Siete Colores Producciones

Banda sonora, puesta en escena y dirección: Alejandro Ullúa

  

Patricia Suárez

Nació en Rosario en 1969. Es dramaturga y narradora. Como dramaturga escribió la trilogía “Las polacas” estrenadas en 2002 en Buenos Aires. Recibió el premio Scrtittura de la Differenza por su obra “Edgardo practica, Cósima hace magia”; además el Primer Premio del IV Concurso de Teatro de humor de la Biblioteca Teatral Hueney de Neuquén por la obra “Miracolosa”. Obras suyas fueron representadas en el extranjero como “La rosa Mística” en el Proyecto Padre, del Teatro San Martín de Caracas, de la mano de Gustavo Ott (2009), “Disparos por Amor” dirigida por Jorge Cassino, en Madrid (2010) y “La engañifa”, espectáculo de Marta Monzón basado en Las Polacas, en La Paz, Bolivia, en 2011; las lecturas de las obras: “Herr Klement” en la Radio Polaca Nacional (2010), “La chica serbia” (2011), Chiclana, Cádiz; “Casamentera” (2012) en la State University de Ohio; “Rudolf” (2012) Madrid, España y “La huelga de las escobas” (2012) en co autoría con M. Ogando y R. Aramburu, en el Teatro Stabile di Genova. En 2011 recibió el I Premio Latinoamericano Argentores por su obra “Natalina”. Actualmente, está en proyecto un espectáculo musical basado en la trilogía Las Polacas (Polish Girls) para exhibirse en Gala Theatre de Washington con Hugo Medrano como su director, en 2015.

Sandra Franzen

Inicio su actividad teatral en 1989, en el Taller de Teatro de la Universidad Nacional del Litoral. Posteriormente integra el Equipo Teatro Llanura de Santa Fe. En 1996 ganó la beca de la Dirección de Cultura  Santafecina para estudiar con Mauricio Kartun. Como autora se destacan sus obras "Opus" que participó del Encuentro Nacional de Teatro Universitario de 1990, "Una Guerra de Segunda" seleccionada para participar de la Fiesta Nacional de Teatro del año 1992, "En el Baldío" publicada por la U.N.L. en el año 1995, "El Museo de las Legítimas" estrenada y publicada por Argentores. "Las flores contadas", ganadora de la “V Bienal Internacional de dramaturgia “La Escritura de la diferencia”, Santiago de Cuba 2011, y publicada por Metec Allegre, Nápoles (Italia), con traducción al italiano. Premio Extraordinario de Monólogo Hiperbreve “Garzón Céspedes”, España 2011: “Miss Bird” Publicación Virtual. “La chatita empantanada” además dirigida, con la que participó del “Festival Internacional de Teatro de Manizales - Colombia año 2011”, Gira por España temporada 2012. “Una cruz en el Mapa” que escribió con Patricia Suarez y dirigió en la Comedia Universitaria 2012 de la UNL. También llevo a escena “La Mirada en el Agua” de Jorge Ricci. Entre sus trabajos actorales se destacan "El Encanto de las palabras", "El que quiere perpetuarse en el poder", "La Cantante Calva", con la que participó de la "II Mostra  Iberoamericana de Teatro de Galicia", España, y "Café de Lobos", que se ofreció en el Festival Internacional Mercosur de Córdoba año 2003.

Alejandro  Ullua Autor, director teatral y regisseur. Cursó la carrera de Letras en la UBA. Entre otras obras, dirigió “Sixtina” de Marguerite Yourcenar, “Sumario de la muerte de Kleist” de Alejandro Tantanian, “Monólogos de la reina" de Susannah Waters, “Hipólito y Fedra” de su autoría, “Todos los judíos fuera de Europa” de Leonel Giacometto, “África...un continente” de Patricia Zangaro y “Los hermanos queridos” de Carlos Gorostiza, esta última para el Plan Federal del Teatro Nacional Cervantes. Sus producciones escénicas recibieron numerosas nominaciones a los Premios ACE, Trinidad Guevara, Florencio Sánchez y Hugo. Entre otros, ganó el Premio ACE 1997 como Revelación Masculina al crear el espectáculo musical “Canciones de Cabaret” y el concurso de Producción Teatral 2006 del Instituto Nacional del Teatro para montar "Trilogía del nazismo". Tuvo a su cargo la curaduría de la programación nacional del VIII FIBA. En 2013, fue convocado como docente del Festival Internacional Mercosur de Córdoba, jurado del primer proyecto para la flamante Comedia Municipal “Norberto Campos” de Rosario; y asesor de la dirección artística del IX FIBA. Dentro del teatro musical, realizó la regie de las óperas “La descente d’Orphée aux enfers” de Marc-Antoine Charpentier, "I Capuleti e I Montecchi" de Bellini, "Acis & Galatea" de Händel y "La Canterina" de Haydn; fue puestista de “Retrato en blanco y negro”, “Viejitos chotos”, ambos con Marikena Monti, y autor y director de “Judy...un homenaje a Judy Garland”. Este espectáculo, retitulado “Judy, a tribute”, llegó a la cartelera del off Broadway y de esta manera, Ullúa se convirtió en el primer autor y director argentino en ofrecer y dirigir una obra de teatro musical de su autoría, anteriormente estrenada en su ciudad natal, pero con elenco y staff norteamericano. Esta versión fue invitada a participar en el Dublin International Theater Festival.

Mariano Mazzei Actor y cantante. Participó en los musicales “Hair”, “The Rocky Horror Show” o “La Fiaca”, en infantiles de Pipo Pescador y “Timón” de Shakespeare dirigido por Miguel Guerberof. Por “El señor Martín” de Gastón Cerana recibió el premio ACE Revelación Masculina y Teatro del Mundo. Con el monólogo sobre Lope de Vega “Quien lo probó lo sabe”, de Mariano Moro, obtuvo los premios Florencio Sánchez, Estrella de Mar, Teatro XXI y Cumbre de las Américas; también fue distinguido en los premios Vilches y nominado para el ACE. Asimismo, realizó giras por el interior de país, América Latina, EEUU y Europa; y fue galardonado por el público en el “Festival Olmedo Clásico” en Valladolid, España. Participó del ciclo “Teatro por la Identidad” con “El señor Martín”, en 2002, y con “Una máscara del amor”, de Patricia Suárez, bajo la dirección de Hugo Urquijo en 2007. Con la Compañía “Los del Verso” que dirige Mariano Moro estrenó además “Cleopatra” (nominado a los Premios Estrella de Mar como Mejor actor de reparto y al Luisa Vehil como Mejor actor), “Ifigenia-El mal menor”, “Azucena en cautiverio” y “De hombre a hombre” (nominación a los Premios Teatro del Mundo como mejor actor). En 2011, estrenó su segundo unipersonal “Jesucristo” que le valió el Premio Estrella de Mar al Mejor unipersonal dramático, la nominación como Mejor actor y la distinción José María Vilches. También en los Premios ACE, Trinidad Guevara y Mundo T. Participó de “La idea Fija” de Pablo Rotemberg y protagonizó “El Príncipe de Homburg” de Heinrich von Kleist, dirigido por Oscar Barney Finn. En el Teatro San Martín, participó de “El Dibuk” de Shlomoh An-Ski, “El burgués gentilhombre”, dirección de Willy Landin y, con puesta de Guillermo Heras, “Los áspides de Cleopatra” de Rojas Zorrilla, que se presentó también en el Teatro Pavón de Madrid. Recientemente estrenó “Como les guste” de William Shakespeare, dirección de Jorge Azurmendi, e integra el Cuarteto de tango de Julio Coviello, con quienes realizo giras en el interior y el exterior, promocionando los CD “Catorce” (2010) y “Llegaron” (2013).

Georgina Rey Actriz egresada de la Escuela Municipal de Arte Dramático. Realizo entrenamiento actoral con Laura Yusem, entre otros estudios. Con la obra “La Trilogía de las Polacas”, dirigida por Elvira Onetto, gano el Premio ACE 2002 de la Asociación de Cronistas del Espectáculo como revelación femenina del año. Participó en las obras “Santa Juana de América”, “Tres Putas Republicas”, Intemperie”, “La Alambrada”, “Marinero”, “El Caso Vania”. Desde el 2004 a la actualidad presenta “Abre su Rosal”, monólogo sobre “Yerma” de Federico García Lorca, con el que realizo una gira nacional y varias presentaciones en el exterior. Invitada por el Ayuntamiento de Granada, se presentó en el Circuito Lorquiano Granada, y en el Festival de León, Almagro, Cádiz, Madrid, Roma y Cerdeña. Desde 2011 se presentan con la obra “Bajo once metros de cemento”, basado en el documental La secretaria de Hitler, dirigida por Claudia Carbonell. Por éste trabajo fue nominada al Premio ACE, como Mejor actriz de Teatro Alternativo. Actualmente se presenta en “Guayaquil, una historia de amor” con dirección de  Manuel Iedvabni, en el  Teatro del Pueblo. En televisión participó en “Guapas”, “Farsantes”, “El hombre de mi vida”, “Los Machos”, “Una Familia Especial”, “Amo de Casa”, “El tiempo no para” entre otros. En cine, además de participar de distintos cortos, trabajo en “La señal”, “Naranjo en Flor", “Ay Juancito” y el telefilm “El 48”.

Martín Urbaneja En teatro ha participado en proyectos como "La tercera parte del mar" de Alejandro Tantanián, dirigido por Roberto Villanueva; "Sector ciegos", dentro del ciclo Teatro por la Identidad, dirigido por Norberto días; "Amanda y Eduardo" de Discépolo, dirigido por R. Villanueva; "Inacabado" escrita y dirigida por Mariela Asensio; "Jamón del diablo" de Roberto Arlt, dirigido por Claudio Tolcachir; "Grasa" escrito y dirigido por José María Muscari; "Las bacantes" de Eurípides, dirigido por Guillermo Cacace; "Electra-shock", versión libre de Sófocles, dirigida por Muscari; "Ejecutor 14" de Hadell Hakim, dirigido por Martín de Goycochea; "Ciudadela" escrita y dirigida por Belén Parrilla; "Las descentradas" de Salvadora Medina Onrubia, dirigida por Adrián Canale; "Chiquito" de Luis Cano, dirigido por Fedra García; "El beso de la mujer araña" de Manuel Puig, dirigido por Rubén Szchumacher; "La tarántula" de Patricia Suárez, dirigido por Héctor Oliboni; "A Chopin..." de Marguerite Yourcenar, dirigido por Alejandro Maci; "Greek" de Steven Berkoff, dirigido por Fedra García; "El reportaje" de Santiago Varela, dirigido por Hugo Urquijo, "Muchas felicidades" de Paco Urondo, dirigida por Fedra García; "Ático" escrita y dirigida por Fedra García. Nominado a los premios Trinidad Guevara como revelación masculina por "Chiquito" y a los Premios ACE, Teatro del mundo, María Guerrero, Florencio Sánchez como mejor actor por "Greek" En cine ha participado en los largometrajes "Los del suelo" de Juan Baldana, "Dormir al sol" de Adolfo Bioy Casares dirigido por Alejandro Chomsky, "Ante la ley" de Emiliano Jelicié y Pablo Klappenbach, "El mural" dirigido por Héctor Olivera, "La señal" de Eduardo Mignona dirigido por Ricardo Darín, "Cielo raso" de Delfina Taquini y Gustavo Garzón, "La rosa azul" de Oskar Aizpeolea, "Garage olimpo" de Marco Bechis, "Aun, canción para una mujer sola" de Sergio Brahuer, "El muro" de Reynaldo Bustos, y en varios cortometrajes. En televisión ha participado en "Don Juan y su bella dama" (Telefe), "Las dos caras del amor" (Italia), "Malparida" (Polka), "Los únicos" (Polka), "Contra las cuerdas" (Canal 7), "Lobo" (Polka), "Al sur de la garganta" (Nep cooperativo), "Santos y pecadores: televisión por la justicia" (Canal 9).